これだけ知っとけ！音楽理論～セッションデビュー編～

前回同様、よくコードの「ボイシング」について語る時に、
必ずと言っていいほどこの「ドロップ２＆４」という単語が、
セットで出てきます。

読み方としては「ドロップツーアンドフォー」と読みます。

これは意味としては、
「コードの2番目の音と4番目の音をオクターブ落としてください。」
という感じになります。

例えば、
「ド　ミ　ソ　シ」という4和音があったら、
2番目のミと4番目シの音をオクターブ下げて
「(オクターブ下の)ミ　シ　(普通の)ド　ソ」
というボイシングにします。

すると、普通に重ねただけだと
やぼったくておもい響きになりがちなのですが、
コードトーンの間が抜けることにより音抜けが良くなってすっきりした響きになります！

4和音以上だと、良くこのドロップ２＆４を利用して、
バンド全体の響きを良くするギターリストやキーボーディストが重宝されます。

和音楽器の人はもちろん、
ソロ楽器の人も覚えておくと損のないコツですよ！

前回同様、よくコードの「ボイシング」について語る時に、
必ずと言っていいほどこの「ドロップ３」という単語が、
セットで出てきます。

読み方としては「ドロップスリー」と読みます。

まずはこの「ドロップ３」という言葉自体の意味から解説します。

これは読んで字のごとくなのですが、
コードの3番目の音をオクターブ下に落とすことを意味します。

例えば、コードＣ「ド　ミ　ソ」という和音があったら、
3番目のソの音をオクターブ下に落とし、
「(オクターブ下の)ソ　(普通の高さの)ド　ミ」という風に
コードの中の音の順番を変えることをいいます。

コードＣという和音の性格は変えずに、
ちょっと服装を変えて、雰囲気を変えるような感じです。

特にこのドロップ３は下に3番目の音が行くことによって、
ロックで良く見られるパワーコードに似た音の重なり方になるので、
割と力強い響きになりやすいです！

一つのコードネームを見ても、
このようにドロップ3まで応用できるようになると、
ハーモニーの雰囲気は格段に広がります。

セッション初心者は是非覚えておきましょう！

よくコードの「ボイシング」について語る時に、
必ずと言っていいほどこの「ドロップ２」という単語が、
セットで出てきます。

まずはこの「ドロップ２」という言葉自体の意味から解説します。

ドロップ２というのは
要は「コードの2番目の音をオクターブ下げること」
ざっくりいうとこれだけの意味です。

例えば、コードＣ「ド　ミ　ソ」という和音があったとします。

これを「ドロップ２で演奏して！」と言われたら、
「(オクターブ下の)ミ　(普通の)ド　(普通の)ソ」という順番に重ねて演奏する訳です。

コードＣというのはまったく変わらないのですが、
積み重なる順番が変わって少しだけ響きが変わります。

特に、ドロップ２は
コードのまん中の音が抜けて下に行くので、
スペースが多くなって、抜けの良いサウンドになる確率が高い！

なんだか響きが重いし、いもったいなぁ、
と感じたら、ギターでもピアノでも
「ドロップ２」のボイシングを試すと
結構綺麗に響いたりします。

セッションの現場では、
コードネームだけを見て、
瞬時にアドリブで和音のボイシングを決めていきます。

この時、ドロップ２を覚えておくと、
「なんか君とやると、コードの抜けが良くてやりやすいよ！」
なんて感想をいただける確率がアップする
ちょっとしたコツです。

コード楽器の人は、
是非覚えておいてくださいね！

ボイシングというと、
字面からすると(voice　声)という綴りが見えるので、
なんとなくボーカルの人専用の言葉なのかな！？
なんて勘違いしてしまいがち。

でも、このボイシングという言葉を
セッションの現場で使った時には、間違いなく

「コードの音の組み合わせ方」という意味になります！

例えば、
譜面にはコードが「Ｃ」としか書いていなくても、
人によってはド ミ ソ、と演奏する人もいれば、
ド ソ ミと順番を変えて演奏する人もいるわけです。

で、セッションの場合は、
とりあえずコードの音がＣになっていれば、
中の音の積み方は自由！というのがルール。

なので、どちらのコードもＣとして合っているのです。

このように、コードネームにすると同じなのに、
実際は音の重ね方が違う場合に、
「ボイシングが違うね！」などということがあるのです。

そう、ボイシングとは、コードの音の重ね方についての専門用語だったのです！

けして、ボーカリストに言っているんだ…、
なんて勘違いして、楽器陣が話をスルーなんてしないように気を付けましょう！！

まずは言葉自体の意味から解説すると、
読んで字のごとく「ダイアトニックじゃないコード」の事を指します。

ダイアトニックとは要するに
「メジャースケールからできたコード」ということです。

「メジャースケールじゃない音からできたコード」ということになります。

なので、ノンダイアトニックコードを使うと、
ちょっとスパイスが利くというか、ひねりのあるサウンドになります。

でも、ノンダイアトニックコードも
実は大きく分けて二つしかパターンがありません！

それは次回以降解説していきますが、
まずは、「ああ、メジャースケール以外の音でできたコードがノンダイアトニックね！」
位に、ざっくりと、そして大づかみで基本を押さえておいてくださいね。

「チャーチモード」とは、
和訳されると「教会旋法」なんて書かれたりします。

ざっくり歴史を紐解くと、
大昔のヨーロッパの各地方にそれぞれ教会があって、
その各教会には、その地元の音楽や文化と密接に結びついた音階がありました。

それでその教会毎に使われる旋法(音階やスケールやモードと言い直してもＯＫ！)
を総称して、チャーチモードという風に大きく呼ぶようになったのです。

でも、教会旋法なんて、かなり大仰な名前がついていますが、
実際はこれほどシンプルなものはありません。

なぜかというと、
「全てメジャースケールだから！」

結局ドレミファソラシドという幼稚園生も知っているメジャースケールを、
レからはじめてレで終わったらドリアン。
ミからはじまってミで終わったらフリジアン。

などの様な形で、
結局はメジャースケールの変化したもの(転回系とも呼ぶ)
が７つあって、それらをまとめて教会旋法と呼んでいるだけなのです。
(さらにくわしくはこちらの記事でどうぞ。)

チャーチモードや教会旋法なんて、
大げさな名前に驚かずに、
「なんだ、結局はメジャースケールでしょ！？」
位に、大きく捉える事が、初心者がセッションの現場で焦らないためには必要。

是非覚えておいてくださいね。

まずは「タイムモジュレーション」のおおざっぱな意味から行きましょう！

「タイム」はその通り「時間」という意味。
そして「モジュレーション」というのは、直訳すると「変調」という意味。

変調とはたとえば、ラジオの電波をより届きやすい周波数に
変えることなどを、基本的には指すようです。

でも、「タイムモジュレーション」と一つになると、
これは間違いなく音楽の専門用語になります。

勘のいい人はもうお気づきかもしれませんが、
「タイム」(時間)を「モジュレーション」(変える)こと、
つまり、リズムの感じ方を変えて、まったく違う時間感覚にしてしまおう！
という、けっこう大胆なリズム理論なのです。

まだぼやっとしていると思いますので、
具体例をあげますね。

例えば、
普通に8ビートを演奏しています。
この時、普通は2つの8分音符を一くくりにして1拍と感じています。

この8分音符を3つで一くくりの1拍として感じます。
すると不思議なことに、なぜか3拍子のワルツのように聞こえてきます！

そして、
1拍の長さが
2つの8分音符分から、3つの8分音符分に増えることによって、
ちょっと長く感じます。

テンポは変わっていないのに、
聞いている方としてはなんだかテンポが遅くなり、
時間が長くなったように感じます！

これがいわゆる「タイムモジュレーション」

まさに、時間がグニャッと変化したような感覚を覚えます！

これを、セッション上級者になると、
サラッと巧みにアドリブに入れることによって、
面白い特徴を出したりしています。

でも、初心者がこれをやられると、
まず間違いなく拍を見失います。(笑)

でも、セッションを見ている時に
「あ、今のもしかしてタイムモジュレーションかな！？」

なんて意識しながら聞いていると、
だんだん耳が慣れてきて、見失わないようになります。

モジュレーションにもパターンがあるので、
その辺は心配なく。

なんにせよ、セッションの現場で面食らわないように、
「タイムモジュレーション」なんて専門用語もあるんだ！
といった程度に、頭の中に入れておきましょう。

まずは「テンポチェンジ」の意味についてですが、
これは何のひねりもなく、読んだ通り。

決まったテンポで演奏していたところを、
違うテンポに変えてしまうことをいいます。

が、冒頭にも書いた通り、
一定のリズムで演奏していた人が急にテンポを変えるのは
意外とハードルが高かったりします。

ましてや、きまったアレンジではなく、
アドリブでテンポをチェンジしなければならないセッションだと、
その難易度は格段に上がります。

が、そこは恐れる必要はありません！

テンポチェンジが出てくる場面というのは、
結構限られているからです。

セッション初心者の皆さんに覚えておいてほしいのは、
「エンディングがテンポチェンジの一番の使いどころだ！」
ということ。

もちろん、テンポチェンジがお決まりの曲や
事前アレンジなどもあるので、一概には言えませんが、
基本的にアドリブでテンポチェンジする場所と言ったら
エンディングしかありません！

だんだんゆっくりになるリットエンディングや、
ドンドン早くしていって終わるテンポアップエンディング等、
やはりパターンがあるのです。

是非この変に注意してセッションを見てみてくださいね。

まず最初に「リズムチェンジ」ですが、
これが第一の誤解を生みやすい言葉。

なんと、この言葉だけで２つの意味を持っているのです！
(詳細はこちらの記事と、こちらの記事を読んでみてください。)

さて、「リズムチェンジ」が把握できたら、
次は「グルーヴチェンジ」です。

「リズムチェンジ」が4ビートや16ビートなどの
リズムの種類を変えることだとしたら、

「グルーヴチェンジ」とは
同じ属性のリズムをチェンジさせること。

この説明だとボンヤリして良く分からないと思いますので、
具体例をあげます。

例えば、
8ビートというのは8分音符が基本になったビートです。
これと16ビートを比べると、この基本のビートが倍の16分音符になっただけなのです。

つまり、8ビート～16ビートへのチェンジならば、
ほとんど基本のビートを変えずにグルーヴだけチェンジさせることができます！

例えば、
シャッフルというのは3連符が基本になったビ―トです。
これとジャズの4ビートを比べると、やはり4ビートも3連符が基本になっています。
つまり、シャッフルと4ビートは基本のビートを変えずにグルーヴだけチェンジできます！

逆に、
8ビートからシャッフルにリズムチェンジすると、
基本のビートの性格がまったく違うので、
かなり劇的なリズムの性格チェンジが起こります。

つまり、「グルーヴチェンジ」とは
基本ビートはそのままに、スムーズに違和感なく
グルーヴだけチェンジすることを指すのです！

微妙な違いですが、
やってみると聴感上かなりの違いを感じます。

特に、セッションの現場では、
アドリブでリズムをチェンジする事が多いので、
やはりスムーズでわかりやすい「グルーヴチェンジ」が多用される傾向にあります。

どちらかというと、リズムチェンジは事前に打ち合わせしておくことが多いと思います。

リズムにはこんな違いも実はあったんだ！
程度に覚えておいてもらえたら、初心者はＯＫ。

セッションで現場を経験すればするほどこの意味は体でわかります。

是非参考にして、ガンガンセッションを楽しんでくださいね。

リズムの種類チェンジとはどういうことなのでしょうか？

実は、大抵の普通の曲というのは、
その雰囲気にあわせて一種類のリズムで作られます。

ジャズなら4ビート、
ロックなら8ビート
ファンクなら16ビート、
ブルースならシャッフル、などなど。

でも、セッションではこれらの原曲通りのリズムでプレイされないこともしばしば。

そんな時にこの「リズムの種類チェンジ」が良く行われます。

ファンキーな曲なので、
まずは基本通り16ビートで始まったのだが、
途中からソロの雰囲気が変わり、
それに反応して、リズム隊がシャッフルに切り替えて言ったり。

または、4ビートでゆったりやっていたところ、
派手に盛り上がってきたので高速の16ビートにチェンジしたり。

上級者になればなるほど、
こういった即興の「リズムの種類チェンジ」が生まれます！

曲のリズムの種類について語っている文脈で
「リズムチェンジ」という言葉がでてきたら
間違いなくこちらの意味。

セッション特有の専門用語なので、
前回の「循環コード」と合わせて、
しっかり覚えておいてくださいね。

「リズムチェンジ」というと
初心者が言葉面だけみて解釈すると、
何かしらリズムがかわることでしょ？

と思ってしまいがち。

もちろんそういう意味もあるのですが、
今回はちょっと趣向が違います。

なんと、「リズムチェンジ」という言葉から、
「循環コードというお決まりのコード進行の曲をやりますよ！」
という、複雑怪奇な意味になることがあるのです！

成り立ちから説明すると、
昔ジャズの世界にジョージ・ガーシュウィン（George Gershwin）という
名作曲家がいたのですが、
その人が書いたスタンダードナンバーの中に「アイガットリズム(i got rhythm)」という曲があります。

そのアイガットリズムのコード進行が秀逸だったため、
そののち、コード進行だけはそのままで、上に乗るテーマメロディだけ替えた曲が
とても沢山生まれました。

なので、(i got rhythmの)リズムを(メロディだけ)替えた(change)曲を総称して
「リズムチェンジ」と呼ぶようになったとかならなかったとか。

なので、コード進行を相談する文脈で「リズムチェンジ」と言ったら
問答無用で「アイガットリズムのコード進行のことだよ！」
という、暗黙のルールが、セッションの世界ではできあがっています。

初心者は勘違いしやすいところなので、
是非意味だけでも把握しておいてくださいね。

まず「ターゲットトーン」の意味ですが、
もうほぼ読んでそのままです。

ある特定の音(トーン)を狙って(ターゲット)演奏することを
ターゲットトーンと言います。

アドリブというのは基本的に自由なもの。

でも、だからこそ大事な音は外さずにアドリブの中に組み込みたい！
と思うのが人情。

そこで、ターゲットトーンという考え方が出てきます。

何か大事な音をあらかじめ決めておいて、
そこに行くまでは自由にアドリブをとる。

そして、そのターゲットトーンへ向かっていく！

最後はガツンとターゲットに到達して1フレーズ完了！！

というアドリブの作り方をしていきます。

このターゲットトーン自体は、どんな音を設定しても構いません。

綺麗に行きたい人は、コードの中の音(コードトーン)を設定するだろうし、
アバンギャルドに行きたい人は外れた音(アウトトーン)を設定することもあります。

要は、着地点がしっかりしていれば、
アドリブがもっと確実で自由になります！

という方法なのでした。

ターゲットトーン、
セッション初心者の人は頭の片隅に置いておいてくださいね。